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[Der lyrische Mittwoch, Folge 20] Sophie Reyer – Zuerst

Und sie takten einander die Zeit.
Und sie schlüpfen in die Stillen.

Liebe Leserinnen, liebe Leser,

herzlich willkommen zur zwanzigsten Folge des lyrischen Mittwochs! Es ist unglaublich, wie schnell die Zeit vergeht und wie viel Bewegung in der Lyrik ist, auch abseits jeder kommerziellen Aktivität. Möge es die poetische Kraft einrichten, dass sie nicht nur im Dunkel eingeweihter Kreise verharren muss, sondern den Schritt zurück auch in die größeren Verlage schafft.

Eine besondere Ehre ist es, Ihnen diese Woche ein Gedicht einer Dichterin und Künstlerin vorstellen zu dürfen, deren Werke schon den schwierigen Pfad aus der Finsternis heraus gefunden haben. Freuen Sie sich bitte auf das Interview mit der in Wien und Köln lebenden Sophie Reyer. Von der Autorin erschienen zuletzt das Prosawerk „Marias. Ein Nekrolog“ (2013), ihr aktueller Gedichtband „die gezirpte zeit“ (2013) sowie die beiden Lyrikbände „binnen“ (2008) und „flug(spuren)“ (2012). Letzterer erhielt noch im Erscheinungsjahr die Buchprämie des Bundesministeriums für Unterricht, Kunst und Kultur. Seit 2011 studiert die Autorin, die bereits einen Master in Komposition und ein Diplom in „Szenisches Schreiben“ führt, Drehbuch‑ und Filmeregie. Von Ihr erschienen bereits zahlreiche Theatertexte unter anderem „vogelglück“ beim S.‑Fischer-Verlag. Die beiden letzten Filme der Künstlerin tragen die Titel „dizzy’s pub“ und „stutzflügel“, mit dem letztgenannten wurde sie 2012 zum Zebra Poesiefilm Festival eingeladen.

Schauen wir zuerst aber ein bisschen auf das heutige Gedicht: Wenn man eine Handvoll Würfel auf einen Tisch wirft, befinden diese sich eindeutig beschreibbar in Abständen zu den Tischkanten. Jeder Würfel wird bestimmt durch die Zahl, die er nach oben streckt. So klar die Tatsachen sind, so sinnlos ist diese Scheinordnung des Geworfenseins. – In „Zuerst“ treffen wir anfangs auch auf solch eine unbestimmte Ordnung. Bilder und Wörter greifen ineinander, spannen ein Gitter in der Zeit auf, um die „Menschen“, die „hinein gestreut“ wurden, aufzufangen, sie im Rasanten des Zeitstrahls irgendwie zu fixieren. Nahezu mechanisch greifen „Falten“ und „Ritzen“ nach sich selbst und nach allem, in das sie sich einhängen können. In diesem architektonischen Gebilde aus verhakten Leibern schaukeln alle im Takt jedes anderen. Wir, die Würfel, schreiben uns ganz langsam Sinn zu, „spielen miteinader Vater Mutter Kind“ und „geben einander Wörter“. Eine, unsere Welt entsteht – mit Menschen, denen der Zeitwind noch immer durchs Haar pustet, die jedoch so fest und gefügt verwoben sind, dass die Zeit scheinbar still steht, nur noch im Hintergrund ein bisschen säuselt und dann sogar „leuchtet“ –

Zuerst

:
Zuerst sind so Menschen in die Zeit hinein gestreut.
Und haben Bindehäute zwischen den Händen.
Und glätten einander die Gesichter.
Und ihre Finger umstricken einander, sind Halteseile.
Und sie hören den lispelnden Himmeln zu.
Und entsteigen dem Schweigen manchmal.
Und machen sich auf am Morgen.
Und wissen: Als außen und innen sind sie ineinander verklammert.
Und die Jungen ziehen den Alten die Jalousien ihrer laschen Haut zu.
Und wohnen in den Falten der Alten.
Und die Menschen legen ihre Ritzen ineinander und legen sich gegenseitig schlafen.
Und der Atem des einen ist die Schaukel des Anderen.
Und sie wissen, dass die Toten sich auffächern in ihnen.
Und sie spielen miteinander Vater Mutter Kind.
Und sie wechseln die Rollen.
Und sie rollen über die Hügel der Momente.
Und sie takten einander die Zeit.
Und sie schlüpfen in die Stillen.
Und die Lichter gelieren ihnen die Haare.
Und sie wissen nichts anders als das: Gestuft sein.
Sie fallen zwischen die Spalten der Zeit.
Und sie haben immer die Engels Segel im Kopf, diese schrecklichen Schatten.
Und sie wissen: Gestern hat die Stadt gesungen.
Und morgen wird wieder Mittagessen sein.
Und wenn die Nacht herankriecht, ist der Schlaf eine Koje.
Und sie geben einander Wörter: Ehrenwörter, Sonnenwörter. Gebogene und gebongte.
Bunte, bucklige, gestrickte Wörter. Und karo-gemusterte Wörter. Gemolkene und

milchige.
Zum Frühstück schenken sie einander Lispel Gras und andere Wucherungen.
Und das Aufknacken der Momente ist nicht mühsam.
Und die Drehleier der Gedanken wird ausgelacht.
So sind diese Menschen in eine Zeit hinein gestreut, die leuchtet.

Sophie Reyer

Sophie Reyer

Textbasis: Ich freue mich, dich heute beim lyrischen Mittwoch begrüßen zu dürfen, Sophie, und danke dir für deine Zusage. Wenn man die Eckpunkte deiner Biografie etwas wirken lässt, erkennt man eine strahlende Begeisterung für die Kunst. Ist das bloße Neigung oder verbirgt sich dahinter auch eine Antwort auf die Frage, was die Kunst heute noch bewirken kann, wo sie doch – im Falle der Poesie – nicht einmal mehr von großen Verlagen, geschweige denn von der breiten Masse wahrgenommen wird?
Sophie Reyer: Ehrlich muss ich gestehen, dass diese Begeisterung für die unterschiedlichen Medien einfach so gewachsen ist. Ich habe immer gerne verschiedene Formen, Materialien und Medien ausprobiert. Wen ich damit erreichen kann, darüber habe ich in meiner Naivität nie nachgedacht. Ich war auch viel zu jung, als ich angefangen habe. Mich hat es da einfach hingezogen: Musik, Film, Text, und die Ränder dazwischen, die Überlappungen. Das hat mich fasziniert.

Textbasis: In deinen Arbeiten verbindest du Videokunst, Sprache und Komposition. Bist du der Meinung, dass das Gedicht als gedruckte Wortfolge auf Papier bestehen bleiben wird? Oder öffnet sich auch die Poesie mehr und mehr der Interdisziplinarität?
Sophie Reyer: Wenn man sich den Ursprung der Lyrik ansieht, so kommt der Begriff selbst ja von „Lyra“, Leier, sprich, Lyrik war auch Wort in Verbindung mit Klang und Rhythmus. Das bedeutet, in gewissem Sinne ist die Wurzel der Poesie ja schon „interdisziplinär“, wenn man so will. Ich denke aber, dass doch eine Tendenz besteht, mehr und mehr auch andere Medien wie Videokunst und Live-Elektronik einzubeziehen. Wobei ich diese Strömungen auch nicht in allen Fällen gutheißen würde. Wenn zum Beispiel das Visuelle nur eine Bebilderung vornimmt, der Klang nichts ist als eine breiige Schichte, die unter die Worte geschmiert wird, dann wäre mir selbst das pure Wort lieber, weil ich im Kopf schönere Bilder und Klänge kriege, wenn ich dem puren Wort zuhöre. Interdisziplinarität birgt eine unglaubliche Chance, aber es kommt immer auf die Umsetzung an.

Textbasis: Ich habe das Gefühl, dass sich die Poesie zur aktuellen Stunde in zwei Stränge teilt. Einerseits in den eher traditionellen mit regulären Veröffentlichungen, andererseits in den der Internetveröffentlichungen. Dieses Spannungsfeld scheint mir wichtig für die nüchterne Beschreibung der gegenwärtigen Lyrik. Welche Chancen, welche Gefahren siehst du in dieser neuen Offenheit für das Gedicht?
Sophie Reyer: Ich glaube, ich würde das nicht so streng einteilen. Es gibt auch einzelne wunderbare kleinere Verlage, die sehr spezielle und ganz und gar individuelle Ansätze vertreten und mit ihren Publikationen etwas riskieren. Dass man mit Lyrik nicht reich wird, ist klar, aber deshalb schreibt man ja auch nicht. Oder ich zumindest nicht. Ich sehe in Internetveröffentlichungen dennoch eine große Möglichkeit. Man ist nicht abhängig von einer Lobby, das ist eine überaus wichtige Entwicklung, die eigenständiges künstlerisches Schaffen ermöglichen und dem Künstler selbst helfen kann, frei von Ideologien zu bleiben. Siehe hierzu zum Beispiel auch Elfriede Jelinek, die nur noch im Netz publiziert, was ich für ein wichtiges politisches Statement halte. Auf der anderen Seite birgt dieses neue Medium natürlich auch Gefahren. Jeder kann jetzt veröffentlichen, sich als Autor fühlen, was zu einer Unmenge an Daten und Material führt. Die Verantwortung liegt beim Rezipienten. Wie filtere ich, was mir da entgegen geschleudert wird?

Textbasis: Eine berechtigte Frage, die wohl auch auf Seiten der Leserschaft die Bereitschaft – und die Fähigkeit – zum reflektierten Abwägen und Entscheiden voraussetzt. Für dich und deine Texte haben sich die Leserinnen und Leser unterdessen schon entschieden. Aus deiner Hand sind zahlreiche Veröffentlichungen entwachsen, deine Texte werden gelesen, deine Kunst wird beachtet. Beeinflusst dich das, gibt es Sicherheit oder drängt es sich manchmal auch heimlich hinein in den Schreib‑ und Schaffensprozess?
Sophie Reyer: Natürlich ist das ein ganz großes Glück. Vor allem die Tatsache, dass ich vom Schreiben leben kann – wobei ich auch zum Leben nicht soviel brauche –, gibt mir immer wieder Mut. Aber freilich besteht gleichzeitig ein gewisser Druck, sicherlich auch innerhalb der Szene, immer wieder Neues zu publizieren, große Verlage zu finden und so fort. Davon muss ich mich auch stets frei machen. Das beeinflusst aber mein Schreiben an sich nicht, sondern eher mein Ego. Die Sprache macht dann zum Glück doch immer, was sie will.

Textbasis: Es tut gut, das zu hören, weil es doch aufzeigt, dass der freie Geist, die Sprache, auch in geordneten Bahnen noch ungehindert wirken kann. Wie ist das bei dir, finden die Themen dich oder begibst du dich auf die Suche nach Ideen? Was braucht es, damit du ein neues Projekt beginnst?
Sophie Reyer: Das ist unterschiedlich. Bei „Marias“ hat das Material mich gefunden. Ich hatte eine Freundin, die einen „Frauenwanderweg“ auf den Spuren der Kindsmörderinnen des 17. und 18. Jahrhunderts gestaltet hat, und das Thema wollte mich nicht mehr loslassen. Manchmal begebe ich mich aber auch ganz bewusst auf Recherche; im Moment beschäftige ich mich mit der Situation von Gefängnisinsassen in Guantanamo, und suche da nach einem Ansatzpunkt für die eigene Arbeit. Ich bekomme hin und wieder auch einfach Aufträge. So war zum Beispiel die Arbeit über Kaiserin Elisabeth in der Villa Feldafing etwas, das mir zwei Freundinnen – Augusta Laar und Judith Pfeifer – vorgeschlagen haben. Im ersten Moment dachte ich: „Jemine, dieser Kitsch?“ Aber wenn man tief genug in ein Thema eindringt, kann man überall äußerst spannende Aspekte entdecken.

Textbasis: Im März dieses Jahres ist das gerade von dir erwähnte Buch „Marias. Ein Nekrolog“ erschienen. Es versteht sich als „außergewöhnliche Form profanen Totengedenkens“, wie auf deiner Internetseite nachzulesen ist. Was hat dich letztendlich dazu bewegt, diesen bewegenden Stoff als Buch aufzuarbeiten?
Sophie Reyer: Was an dem Thema so spannend ist, ist die Tatsache, dass wir von den Frauen dieser Gesellschaftsschicht zwischen 1500 und 1800 nichts wissen würden, gäbe es nicht diese „Täterinnen“. Die Geschichtsschreibung war ja eine, die von Adeligen betrieben wurde und sich demnach nur um Adelige drehte. Das „gemeine“ Volk kam nur vor, wenn etwas nicht funktioniert hat. Nämlich dann, wenn zum Beispiel Verbrechen begangen wurden. Diese Gerichtsakten sind das Einzige, was von den Mägden, den Dienstbotenmädchen geblieben ist. Unterschrieben wurden sie – da diese Frauen alle Analphabetinnen waren – mit einem X. Diesen Menschen im Nachhinein eine Stimme zu geben, war mir wichtig. Das war der Ausgangspunkt; dann habe ich begonnen, mich mit dem Thema „Kindesmord“ an sich auseinanderzusetzen, der Medea-Topos hat sich angeboten, die Frage nach der Verbindung von Weiblichkeit und Monstrosität hat sich mir gestellt, et cetera. Es war eine sehr aufreibende und schwierige aber auch wunderbare Arbeit.

Textbasis: Herzlichen Dank für diese spannenden Einblicke in den Entstehungsprozess von „Marias“. Abschließend noch eine Frage zur Form. Du besitzt ein ausgeprägtes Verständnis für Komposition. Lässt sich dieses auch auf Textebene übertragen? Und wenn ja, wie viel bleibt dennoch immer intuitives, freies Gestalten?
Sophie Reyer: Absolut. Wenn man sich ansieht, wie die Wiener Gruppe oder wie Oulipo mit Texten umgegangen ist, so waren das immer kompositorische Prinzipien, die auf das Sprachmaterial angewandt wurden. Strukturelle Prinzipien der Komposition lassen sich wunderbar auf die Sprache übertragen: Wie baue ich Reihen, Listen, Varianten? Das ist die eine Ebene. Aber auch die klangliche Ebene ist eine, die sich in beiden Fällen anwenden lässt. Ich höre meine Texte immer innerlich, höre sie durch, trimme sie so, dass die einzelnen Worte lautlich wie auch rhythmisch zusammen passen. Aber man darf sich nicht zum Sklaven der Technik machen. Sonst werden die Texte zu „gerade“, zu „gebaut“, zu „konstruiert“. Oft ist es so, dass ich einen intuitiven Wurf mache und den als Steinbruch für eine Komposition nehme, ihn in ein strukturelles Gewand einfüge. Oder aber umgekehrt: Ich erlege mir selbst eine Form (zum Beispiel Anagramm, Liste, Zweizeiler et cetera) auf und versuche dann das, was herauskommt, aus dem Korsett seiner Form zu befreien. Das ist immer eine Gratwanderung. Es bleibt wahrscheinlich auch immer ein Versuch. Aber wenn man arbeitet und sich Zeit nimmt, werden die Versuche besser.

Textbasis: Eine sehr schöne letzte Antwort, Sophie, welche die theoretische Begründung auch gleich in Schreibtipps zum Nachmachen übersetzt. Gerade die zweite Variante scheint mir eine besonders reizvolle zu sein, nicht zuletzt deswegen, da ich mir vorstellen kann, dass sie verhältnismäßig selten angewandt wird. Es war wunderbar, mit dir ein Interview zu führen und eines deiner Gedichte vorzustellen; doch auch diese Folge erreicht nun bald Ihr Ende und mir bleibt nicht viel mehr, als dir ein letztes Mal herzlich zu danken, dass du dir Zeit genommen hast, um beim lyrischen Mittwoch mitzumachen. – Mehr, sehr viel mehr Informationen über das Schaffen der Autorin finden Sie auf ihrer Internetseite: www.sophiereyer.com. Und damit Sie schnellstmöglich dorthin navigieren können, ist hier nun Schluss. Bis zum nächsten Mittwoch.

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[Der lyrische Mittwoch, Folge 19] Wortlieb Martin – Des Herbstes Füllhorn

Der Herbst, der herb ist, lässt die Misteln sprießen,
Blätterteppiche ausrollen und Drachen steigen

Liebe Leserinnen und Leser,

einen Tausendsassa der Sprache, einen Jongleur der Künste und einen Poeten des Wortes darf ich Ihnen heute vorstellen. Wortlieb Martin, Schweizer und Deutscher Staatsangehöriger, ist Dichter, Schriftsteller, Dramatiker, Kabarettist, freier Wortakrobat, sowie bildender Künstler zwischen den Disziplinen. Er studierte Etymologie, war einige Zeit am Theater tätig und arbeitete in den Bereichen Interview und Journalismus. Auf diversen Internetauftritten wie wortlieb.ch und wortlieb.wordpress.com veröffentlicht er eigene Gedanken und Worte. Für ihn bedeutet Poesie Ausdruck ohne Grenzen, sie reicht über die Sprache hinaus, zeigt sich im (Neu)Schaffen, in der „Poetizität“, die jedem Kunstentstehen immer beigegeben ist (und nicht nur dem wortreichen).

Mitten im Sommer schon an den Herbst denken, das ist ganz und gar nicht so, wie schon den Glasboden eines kühlen Getränks unter brütender Sonne zu fürchten. Wo das eine das bedauerliche Ende verkündet, bedeutet das andere lediglich Wandel, erweiternde Transformation. Denn wo „Goldregen“ fällt hinein in „Wälderrauschen“, und wo Göttinnen über die warmen Früchte ihre Hände legen, da wird das Ende zu „Ernte und Lese“. Dankend in Empfang nehmen, süß kauen und unbedacht nach noch einem Schmaus mehr vom Baum langen. Irgendwo zwischen Idyll, Schlaraffenland, Romantik und Hedonismus verortet „Des Herbstes Füllhorn“ – uns; im Jetzt. Denn die greifenden Hände hängen an unseren sommerbraunen Armen, und vor vergessenen Maschinen möchten wir ewig diesen feierlichen Tropfen heimlich zwischen unseren Lippen und unserer Zunge beküssen –

Des Herbstes Füllhorn

Der Herbst ist herb, farben und voller nebelbeladenem
Wälderrauschen mitten im nackten Septemberwind
legt sich doch in Angesicht des Ursprungs Größe
ein in Demut verfallener Zauber im Herbste nieder.
Goldregen fällt unter Bäume voller Bunt zu Boden,
das Ballett des Blätterwehens betanzt in Schwaden
belaubtes Land, zum Pflücken hingegebenes Pfand
in sternbedeckter Mondesnacht – der Herbst entfacht
eben erst in seiner tollen Fülle seine volle Pracht.
Der Herbst, der herb ist, lässt die Misteln sprießen,
Blätterteppiche ausrollen und Drachen steigen,
Gaben jagen mit dem Horn der Amaltheia bestückt
mit dem Bogen der Artemis und einer Hippe bewaffnet,
von rankenden Reben des Dionysos’ umgeben, verführt
im Geleit von Fruchtbarkeit und Segen in Gestalt
Pomonas Allegorien schicken uns zur Jagd,
um zu ernten, was eben im Herbst erst gelesen,
was spät im November nur gepflückt werden kann.
Ernten, was gesät wurde, bis des Herbstes Füllhorn stramm
gefüllt mit Früchtchen dieser Erde, Felder und Wälder
labenden Gaben aus güldener Natur, opulent
geschmückt mit Licht, geborgen mit der Dämmerung,
behütet von Glück und Reichtum begleitend umsorgt
von breiten Paletten des Dankes schön umhüllt
im Laubgewand der Jahreszeiten umherwirbelt
und mit vollen Kellen aus vollen Kelchen schöpft,
trotz und eben gerade wegen dieser klaren Barheit
ist des Herbstes Füllhorn prass und prall gefüllt
mit Beute, Ernte und Lese; satt mit Früchten
seiner Saaten üppiger Ernte reicher Taten
zum Naschen und Nähren, zum Haben und Sein.

Wortlieb Martin

Wortlieb Martin

Textbasis: Es ist mir eine Ehre, dieses kunstvolle Poem aus Deiner Feder und dich als Federführenden heute begrüßen zu dürfen, Martin. –
Wortlieb: (unterbricht) Ich habe zu danken, Sebastian, für die einleitenden Komplimente und freue mich, dass Du mich zum lyrischen Mittwoch eingeladen hast.

Textbasis: Recht vielen Dank. Auf Deiner Webseite wortlieb.ch unterscheidest Du zwischen Literarischer, Darstellender und Bildender Poesie. Was betont diese Einteilung besonders?
Wortlieb: Es geht darum, aufzuzeigen, dass die Poesie eben gerade grenzüberschreitend und Grenzen sprengend ist. Sie ist allgegenwärtig, weil sie – meines Erachtens – über allem steht. „Die Poesie“ ist ein Überbegriff, der über dem Überbegriff „die Kunst“ steht. Unter diesen Begriffen sind die Grenzen fließend. Manchmal sind sie gar unwichtig oder sogar ganz und gar nicht existent. Als Dramatiker schreibe ich literarische Stücke, mache damit schließlich auch Theater, nehme Einfluss auf die darstellende Kunst. Als Poet halte ich Lesungen, womit auch hier die literarische mit der darstellenden Poesie verbunden wird. Da ich mich dieser „großen“ Poesie verschrieben habe, umfasst dies nicht nur das Schreiben, sondern eben auch das Inszenieren. Sei dies auf oder durch die Bühne, mittels einer Raum-Installation, mit einer Photographie oder in einer Skulptur. Gelebte Poesie in den Alltag zu bringen, sie zu leben und in die Wirklichkeit zu tragen, ist wichtiger als Poetik, essentieller als pures Handwerk. Zum Beispiel bin ich ein schlechter Maler, was mich aber nicht daran hindert, meine Gedichte mit Farbe ergänzend auf Leinwände zu interpretieren. Die Poetizität lässt eben auch die Art Brut zu ganz großer Kunst erblühen. Meine offizielle Berufsbezeichnung lautet „Poet“, nicht weil ich Gedichte schreibe, sondern weil ich ein poetisches Leben führe, die Poesie in allem zu finden versuche, um sie in irgendeiner Form darzustellen.

Textbasis: Du schreibst, dass Lesungen zu Deinem „Lieblingsgebiet“ gehören, andererseits deuten Deine philosophischen Reflexionen darauf, dass Du nicht allein der Praxis verhaftet bist. Wie geht das Hand in Hand – und kann das gut gehen?
Wortlieb:  Ja, ich denke gern, sinniere oft, sinne tiefschürfend nach und grüble schwer. Aber nicht nur. Ich sehe die Trinität von „Idee – Sprache – Tat“ (von mir liebevoll „IST“ genannt) als eine zwingende, verantwortungsbewusste Kausalität an. Zum Beispiel im Sinne von: Erst erkennen, dann schreiben, danach handeln. Philosophie ist – wie die Poesie – erst dann begriffen, wenn sie auch gelebt wird. Das Philosophieren in geselliger Runde irgendwo in Bohemien ist ein synergetischer Ausgleich und das Streben nach Erkenntnis über die Sinne des Lebens haucht viele Inspirationen ein. Das Zusammenspiel von Denken und Dichten ist ein holistischer Prozess. Ein Poem ist am Ende eine Aktion auf viele Reflexionen.

Textbasis: Jede Kunst wirkt. Welchen Einfluss auf diese Wirkung hat die Beschäftigung mit der Etymologie, das Abtasten der Sprachgeschichte?
Wortlieb: Mein Interesse an der Archäologie der Sprache rührt daher, dass ich gerne weiß, was ich sage. Ich packe gerne ein Wort an der Wurzel und nehme ebenfalls gerne etwas oder jemanden beim Wort. In Wahr und Tat ist es etwas Wunderbares für mich, den Ursprung eines Wortes zu ergründen, ihm auf die Schliche zu kommen, sein Geheimnis zu lüften, ihm auf der Spur zu sein, seine Herkunft, Heimat zu (be)suchen und mit Empathie das Wesen(tliche) eines Wortes zu erfassen. Es ist kultur-, zeit‑ und sprachgeschichtlich spannend. In meinen Kolumnen, Essays und Glossen spiele ich oftmals mit der Deutung und Bedeutung von Redensarten, dem Wortsinn der Sprichwörter, den Wendungen der Rede und mit geflügelten Floskeln. Unsere Alltagssprache ist voll davon. Hingegen ist es mir bei einem lyrischen Poem wichtig, es mit satten und gewichtigen, puren Wörtern zu schmücken, die ihre Ursprünglichkeit behalten, bild‑ und standhaft, somit wahrhaft authentisch und – im wahrsten Sinne des Wortes bis in die Wurzel – fanatisch sind.

Textbasis: Daraus folgt dann auch gleich meine nächste Frage an dich als Experte in diesem Bereich: Wo verortest Du die Onomatopoesie, die Kunst mit Sprache hinter den Wörtern zu malen? Wie beeinflusst der Klang – wenn er doch so wirkstark ist, dass man ihn vereinzeln und hervorheben kann – auch jedes Wort (gerade im Vers) mit erstarrter Bedeutung?
Wortlieb: Ich zitiere mich hier selbst, in alter Heinz-Erhardt-Manier:

Die Onomatopoesie verkörpert tatsächlich die Wurzeln der Sprache selbst, beeinflusst unseren Sprachgebrauch dadurch sehr. Die ersten gesprochenen Worte waren wohl onomatopoetischer Natur und setzten den Grundstein einer verbalen Kommunikationsform. Witzigerweise ist der Weg der Menschheit über die Onomatopoesie hin zu der Sprache derselbe Weg des Menschen an sich, denn wir alle erlernten als Kleinkinder die Sprache mittels der Lautmalerei; von „Hoppe, hoppe Reiter“ über Bauernhof-Tierlaute bis hin zum „Heia“- oder „Pipi“-machen begleitet uns die Onomatopoesie durch unsere Anfänge auf dem Gebiet der Sprache. Die stimmliche Nachahmung eines Geräusches ist im Grunde somit eine Parodie, die von Aufmerksamkeit, Reflektion, Kultur‑ und Lernfähigkeit zeugt; keine lächerlich machende, – oder eben nachäffende – Parodie. Onomatopoesie ist wie Theater; sie ist Kulisse mit einem Wort. Ein einzelnes onomatopoetisches Wort erzeugt ein bewegtes und oftmals auch bewegendes Bild, so dass die Assoziation jedem eine Vorstellung gibt, die sich selbst inszeniert. Zum Beispiel beim Wort „klatschen!“. Die Onomatopoesie trägt die Poesie zurecht in ihrem Namen, denn viele lautmalerische Begriffe sind in unseren Sprachgebrauch eingeflossen und jeder davon birgt die Poesie in sich: Wenn der Regen „plätschert“, die Winde „rauschen“, die Kinder in die „Pfützen hüpfen“ und die Vögel „zwitschern“, der Eine „schlürft“ und der Andere „schmatzt“, wenn Tränen „kullern“ und Zungen „lallen“ ist auch ein landschaftliches Bild gemalt. Ich liebe das. Mehr als Verse.

Textbasis: Merci für diese Ausführungen! Es ist ein schönes Gefühl, zu spüren, dass sich „die Poesie“ in den Wörtern eingelagert hat, die wir ganz alltäglich benutzen. Lass uns aber ein Stückchen weggehen von der Theorie, hin zu einer persönlichen Frage, die deswegen auch gleich mit einem so richtig abschreckenden Wort angerollt kommt: Zeitmanagement. Wie bewältigst Du all die vielen Aufopferungen, die Du der Kunst widmest – in nur 24 Stunden? Planst oder improvisierst Du Deinen Tag, ist Schreiben eventuell auch manchmal nur schnöde Arbeit?
Wortlieb: Spontan würde ich sagen, dass ich mich eher vom Tag planen lasse als umgekehrt. Auch, weil ich im Besitz einer äußerst seltenen, chronischen Krankheit bin, lässt sich mein Tag nicht fix durchplanen. Ich arbeite dann, wenn ich kann. Leute, die mit mir zusammenspielen, wissen das und sind flexibel, um zu improvisieren und verständnisvoll genug, um mir jederzeit eine Auszeit zu gönnen. Kunst zu erzwingen, ist nicht möglich. Dafür koste ich dann wieder jeden Moment des Schreibens eifrig und genussköstlich aus. Die sturen Termine wie Redaktionsschlüsse oder eben Lesungen und Aufführungen oder Ausstellungsdaten sind meine Eckpfeiler, sie geben meinem Alltag eine Struktur und treiben mich voran, damit ich immer in Bewegung bleibe. Außerdem abendfeiere ich gerne und da der Feierabend mit einer vorhergehenden Arbeit verbunden ist, mag ich meine Arbeit als Wortkünstler als Ganzes. Schließlich gehört die Pause auch zu der Kunst.

(Kunstpause)

Also ja, das Schreiben ist Arbeit, aber nein, keine schnöde.

Textbasis: Im Kontext all dieser Fragen und Antworten interessiert mich noch Eines besonders. Welche Rolle spielt in der Kunst die Vergänglichkeit? – und damit meine ich nicht die Vergänglichkeit alles Seins, sondern die Vergänglichkeit der konkreten Informationsträger, seien sie greifbar oder lediglich elektronisch.
Wortlieb: Eine grosse Frage, die ich gerne zusammenfassend beantworten will: Ironischerweise ist die Vergänglichkeit alles, was wir besitzen. Deshalb stehe ich der Frage, ob es sich nun lohnt, zwischen der Vergänglichkeit des Seins, jener der Kunst oder der Medien zu unterscheiden, skeptisch gegenüber. Ich sehe die neuen, virtuellen-schnellen und auch rasant-vergänglichen Medien als eine moderne Art der One-Minute-Sculptures an, eben als eine Skulptur für eine Minute. Kunst für den einen Moment zu erschaffen, ist – und wird dank der digitalen Welt nur noch mehr – eine Kunstform, welche die Vergänglichkeit umso drastischer begreiflich, begrifflich und begreifbar macht und umso monumentaler im Augenblick wirkt. Weil es nie mehr so sein wird und nie mehr so war, wie jetzt im Hier und Jetzt in diesen 15 Minuten … Das digitale Zeitalter ist im Grunde genommen ein Revival der Dadaismus-Bewegung – einer digitalen Gesamtkunst-Stätte im Sinne einer Merzbühne – sowie eine Weiterführung der PopArt-Strömung. Und eine empathisch-logische Konsequenz aus dem argentinischen Theaterstil, ähnlich eines Flashmobs. Schnell vergängliche Medien stellen für Kunst und Künstler, die sich dieser Medien bedienen und demnach aktuelle Themen besprechen wollen, genau dies dar: Einen Auftritt im öffentlichen Raum; eine Art Ergänzung zur traditionellen Kunst, ein Statement als Performance, ein Zeichen an der Wand, ein schnelllebiges Aufflackern im Wind, ein Schatten im Gras. Als Ausgleich zu der dauernden Beständigkeit. Und als bibliophiler Jäger-Sammler, ehemaliger Antiquar und beständigkeitsliebender Reisender möchte ich dazu abschliessend ergänzen:
Ich habe noch nie einen Verlag angeschrieben. Nicht, dass ich kein Manuskript in der Schublade hätte, welches ich ihm anbieten könnte. Die Poesie als flüchtig und alles Poetische als vergänglich ansehend, gefällt es mir einfach, in Medien zu veröffentlichen, die sich bewegen: So bilden Zeitschriften, Zeitungen, Kolumnen, Plakate, Blogposts und Tweets eine komplexe, lebhafte Einheit meines schriftlichen Wirkungskreises … (zwinkert) Der Poesie treu, bis in den Tod!

Textbasis: Weltende; alles ist verbrannt oder brennt noch. Sollte sich der letzte Mensch die Mühe machen, irgendetwas in den Stein zu kratzen, auf dem er sitzt, den Sonnenuntergang beobachtend?
Wortlieb: Unbedingt! Damit sich der Kreis schließt und auch am Ende ein Wort war. Vielleicht keinen Katharsis-Roman, aber einen kurzen Ausspruch, damit man noch genügend Zeit hat, den (Sonnen)Untergang zu genießen … Ich schwanke zwischen dem klassischen „Kilroy was here!“ (grinst), dem augenzwinkernden „Menschenskinder!“ (grollt) und dem zynischen „Ars moriendi at its best!“ (grämelt).
Wäre ich persönlich dieser letzte Mensch, ich würde „POESIEGT!“ in St ein ritzen.

Textbasis: Mit Deiner letzten Antwort unterstreichst Du es – für diese Folge – ein letztes Mal: keine Situation entkommt Deinen Worten und Deinem Witz. Mich begeistern die vier Möglichkeiten! (Eventuell haben auch Sie noch Ideen für ähnliche Sprüche? Dann immer rein damit in die Kommentare.) Recht vielen Dank, Martin, dass Du die Zeit gefunden hast, die Fragen zu beantworten. Gerade Deine Gedanken zur Onomatopoesie, zur Lautmalerei, öffnen Augen und Ohren für die Sprache. Mögest Du mit der gelebten Poesie noch viele Menschen erfreuen, das Wort verkünden (möchte man sagen) und die Kunst mit Lebendigkeit bereichern. — Er- und angeregt vom Schriftgut aus der Hand des Interviewten, empfiehlt es sich, weiter zu surfen und folgende Links zu besuchen. Auf wortlieb.ch und wortlieb.wordpress.com finden Sie Lesefutter, das ganz eigentümlich ist: Es stillt den Appetit nie und macht Hunger auf immer mehr. Viel Spaß und bis zum nächsten Mittwoch!


-Schönheit, Freiheit, Harmonie- Gedanken zu Kunst & Kitsch

Matthias Engels (Teilnehmer der vierzehnten Folge des lyrischen Mittwochs) hat das Thema „Wortwahl in der Lyrik“ auf seinem Blog erneut aufgegriffen und die Taschenlampe ausgepackt. Er durchleuchtet anhand zahlreicher Beispiele, was sich in der Poesie verändert hat und wo sie angekommen ist. Bestandsaufnahme: „Keine Utopien, Allegorien finden mehr statt, dafür Diagnosen und Fallberichte.

Durchdacht, nachvollziehbar, leichtfüßig – unbedingt lesen.

DINGFEST

Bild

Sebastian Schmidt machte sich aktuell in seinem Blog noch einmal Gedanken über die Lyrik und den Lieschen Müller-Stempel, den er nach unserem Interview für den lyrischen Mittwoch erfunden hat.

https://textbasis.wordpress.com/2013/07/07/poesie-das-ist-musik-3-gedichte-mit-herzblut-schreiben-ein-pla%C2%ADdo%C2%ADyer-fur-bewusste-wortwahl-im-gedicht/

Gibt es Worte, die ein Gedicht von vornherein disqualifizieren. Worte, die zu profan oder anderweitig „unlyrisch“ sind. In einer Zeit, in der man alles sagen kann und darf, in der verschiedene Epochen und Schulen den Wortschatz der Lyrik aus den unterschiedlichsten Feldern ergänzt und erweitert haben? Wir sprachen im Interview davon, dass heutige Lyriker bestimmte Begriffe zu scheuen scheinen wie der Teufel das Weihwasser. Ich erzählte ihm von vielen Kritiken (von anderen Lyrikern und Kennern), die ich erhielt, da ich gelegentlich gerne Herz und ähnliche Begriffe benutze. Andersherum wurde ich neulich (von einem Leser) kritisiert, da ich das Wort Krisengebiet in einem Gedicht auftauchen ließ, das sicher bei modernen Lyrikern kein Grund zum Anstoßnehmen gewesen wäre. Woher kommt diese…

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[Der lyrische Mittwoch, Folge 11] Constanze – Das Meer singt Lieder…

Liebe Leserinnen, liebe Leser, diese Woche ist er zurück, der lyrische Mittwoch. Wo vor sieben Tagen die Impressionen der Mainzer Minipressen-Messe an eine schöne Zeit erinnerten, werden auch heute wieder Erinnerungen auftauchen. Es ist mir eine große Ehre, Ihnen Constanze vorstellen zu dürfen. Sie studierte Germanistik und Geschichte, arbeitete als Journalistin vorrangig im Gesundheitsbereich, lebt mit ihrem Mann im Schwarzwald und veröffentlicht auf dem Blog Das poetische Zimmer ihre Gedichte. Ich denke, Sie werden mir zustimmen, dass Constanzes Liebe zur Oper, zur Musik und zur Satzmelodie Kleinodien feingeistiger Sprachschöpfung hervorbringt, deren wunderbare Wortbilder klingend im Gehörgang lang nachhallen.

Diesen besonderen Klang, dieses Verweilen der Verse und des Reims im inneren Ohr, dieses Eindrücken und Beeinflussen des Empfindens teilt ihre Lyrik mit der besonderen Intensität offener Wahrnehmung. Denn hat man sich erst der Betrachtung ganz hingegeben, so strömen Eindrücke oftmals erstaunlicher Form auf uns zu: Da beginnt ein überpustetes Meer zu singen, da wird aus der ursprünglichen Umgebung eine Eingebung direkt ins Herz, ins Empfinden. Da verschmelzen Wahrnehmung und Welt und stimmen das Wahre Lied des Fühlens an, welches atmend untertaucht „ins große Rauschen“ und feierlich beruhigt und immerzu erfährt: –

Das Meer singt Lieder…

Das Meer singt Lieder der Erinnerungen,
Gedanken, die gen Himmel fliehn.
Mein Herz, das lauscht,
lauscht immerzu im Stillen
zu allem, was mir nah erschien.
Und rinnt hinein ins große Rauschen,
und brandet an in bunten Träumen,
versickert Klang in weiten Räumen,
wo Sehnsuchtsbilder Kreise ziehn…

Constanze

Constanze

Textbasis: Liebe Constanze, ich freue mich, dass Du einer Teilnahme am lyrischen Mittwoch zugestimmt hast und mit Deinem Gedicht eine salzig-melancholische Prise Lyrisches durch den Blog wehen lässt. Welchen Freiraum bietet Dir das Gedicht, bieten Dir Verse, wenn Du über die Welt und dich selbst schreibst, gerade auch im Hinblick auf Deine Tätigkeit als Journalistin?
Constanze: Für mich als gefühlsbetonter, bildorientierter, musikalischer Mensch ist diese Art des künstlerischen Ausdrucks geradezu ideal. Und im Unterschied zum journalistischen Beitrag beziehungsweise zum reinen Sachtext dient es dem Ausdruck des persönlichen, inneren Erlebens. Das heißt nun aber nicht, dass man sich beim Dichten in einem schier unergründlichen, ichbezogenen Gefühlsüberschwang ergehen sollte. Möchte man den Inhalt mit anderen teilen, muss man vielmehr auch etwas allgemein Gültiges nachvollziehbar darin aufleuchten lassen.
Das hier vorgestellte Meergedicht verdeutlicht ein wenig meine Motivation. Mit einem poetischen, meditativen Blick gehe ich oftmals durch die Welt und die Dinge und Vorgänge sprechen dann in sehr eindringlicher Weise zu mir. In ihnen offenbaren sich besondere Stimmungen, zuweilen existentielle Aspekte des Daseins wie etwa Freiheit, Ewigkeit, Vergänglichkeit, Tod und Leben beispielsweise. Das berührt mich und ist es meiner Meinung nach wert, in ästhetisch verdichteter Form gesteigerten Ausdruck zu erfahren. Inspiriert davon, kommen mir Bilder, Gedanken, Melodien hoch, bilden sich Assoziationsketten im Innern. Das Äußere wird mit der Fantasiewelt verschmolzen, „brandet an in bunten Träumen“ und gebiert etwas Neues, ein thematisches Bild oder Gleichnis, welches in der passenden Verschmelzung unterschiedlicher Bedeutungsfelder seinen unvergleichlichen Ausdruck erfährt. Wenn ich Glück habe, erwächst mir im Vorfeld bereits eine melodiöse Verszeile oder ein ganz bestimmter Rhythmus. Dies alles notiere ich mir fast immer erst einmal auf einem kleinen Zettel, um es dann einige Zeit später vollends zu verdichten.

Textbasis: Wie Du mir während der Vorbereitungen unseres Interviews schriebst, fasziniert dich die Musik – und diese Musikalität hört man aus Deinen Zeilen heraus. Wie verbindet die Versmelodie dabei Inhalt und Bilder zu bleibenden Eindrücken? Was passiert, wenn Melodie und Text schief liegen?
Constanze: Dem Lyrischen, Liedhaften im herkömmlichen Sinne bin ich besonders zugetan, denn hier werden eben Wort, Bild und Musik beziehungsweise Rhythmus, Klang aufs Schönste miteinander verwoben. In dieser Art der Verdichtung kann ein mitzuteilender Gedanke zu einem außerordentlich sinnlichen Erlebnis werden und dadurch vielleicht zu einem nachhaltigeren (Selbst-)Erleben führen, weil (Wort)Bilder mit Musik beziehungsweise Rhythmus und Klang unmittelbarer das Gefühl ansprechen und bekanntlich tiefer im Innern verankert werden, als es sonst der Fall sein würde.
Um auf diese Weise eingängig zu sein, muss die Melodie zum einen so geschaffen werden, dass sie für den Leser deutlich im Innern vernehmbar wird, ihn selbst in die ausgedrückte Schwingung versetzt, bestenfalls sogar in einen rauschartigen Zustand, um ihn so in einem Fluss durch den Text zu tragen. Zum anderen besteht die hohe Kunst darin, Zeilen zu kreieren, die den Inhalt (Bild, Gedanke, Bewegung) auf formaler, musikalischer Ebene spiegeln, so wie es uns beispielsweise meisterhaft aus Rilkes „Panther“ entgegenleuchtet: „Ihm ist, als ob es tausend Stäbe gäbe / und hinter tausend Stäben keine Welt.“
Fügt es sich aber auf allen Ebenen nicht harmonisch zusammen, ja kommt der Leser auf halbem Wege gar ins Stolpern, weil der Rhythmus beispielsweise durch eine falsche Silbenanzahl im Vers oder etwa durch ein klanglich unpassendes Wort an der falschen Stelle aus dem Ruder läuft, dann wirkt es eher lächerlich und aufgesetzt und ein Höhenflug wird nur noch zum kläglichen Absturz.

Textbasis: Das bedeutet dann ja ebenfalls, dass das Gedicht immer vom Vortrag lebt, erst gesprochen sich ganz entfaltet. Kann es nicht auch Lyrik geben, die ganz und gar auf dem Papier aufblüht (sieht man einmal ab von künstlerischen Ausformungen wie etwa der Konkreten Poesie et cetera)?
Constanze: In der Tat ist es meiner Meinung nach so, dass Dichtung im herkömmlichen Sinn ihre Magie erst mit dem Vortrag vollends entfaltet. Ich selbst bin zu dieser Art des Schreibens ja auch erst wieder über die Rezitation von Gedichten hier im Netz gekommen, vornehmlich von Versen meines Lieblingsdichters Rilke. Dadurch haben sich mir gänzlich neue Dimensionen erschlossen. Nicht nur, dass mich das Sprechen von Lyrik für die eigenen Versuche erneut öffnete, nachdem ich seit Studientagen in dieser Richtung gar nichts mehr unternommen hatte, sondern es hat mich auch im besonderen Maße für dieses melodiöse, unvergleichlich schöne, nicht alltägliche Sprechen sensibilisiert. Es lässt mich persönlich Harmonie empfinden und die Schönheit dieser Sprache direkt fühlen und mit ihr auch die Möglichkeiten des Ausdrucks, die in ihr verborgen liegen. Vielleicht müssten Menschen, die nur noch wenig Lust verspüren, sich der traditionellen, liedhaften Dichtung zu nähern, nur einmal damit beginnen, diese wieder bewusster zu lesen und auszusprechen, und sie wird sich ihnen auf eine neue, ungewöhnliche Weise erschließen und sie einnehmen. Übrigens, längst bevor ich überhaupt noch einmal erneut mit dem eigenen Dichten begann, war es mein und meines Mannes liebster Zeitvertreib geworden, gemeinsam Gedichte unserer Lieblingsautoren auswendig zu lernen und uns diese gegenseitig aufzusagen.

Textbasis: Das bringt mich sodann auch direkt zur nächsten Frage. Gemeinsam veröffentlichen Du und Dein Mann (Pseudonym Wolfregen) im „poetischen Zimmer“ jeweils eigene Gedichte, gibt es da ab und an so etwas wie eine gemeinsame Arbeit am Text oder bedeutet das Gedichteschreiben gerade nur subjektive, individuelle Ausformung?
Constanze: Gemeinsame Projekte gab es bisher nur insofern, als ich Gedichte von Wolfregen zu einer ausgewählten Musik im Internet rezitiert habe. Ansonsten arbeitet jeder für sich im „stillen Kämmerlein“, bis ein neuer Text fertig vorliegt. Dann aber kommt die Präsentation vorm jeweils anderen ins Spiel und danach die gemeinsame Überarbeitung der Schwachstellen im Text. Dabei hat sich bewährt, dass sich mein Mann recht gut im allgemein Formalen auskennt und ich hier noch immer einiges dazulernen kann, während ich mehr die Expertin fürs Inhaltliche beziehungsweise Klangliche auf der Wortebene bin. So hat sich das bisher immer sehr gut ergänzt.

Textbasis: Und wie funktioniert das, in einer Welt voller Technik, Verdummungsfernsehen und Hast noch die nötige Muße zu finden? Was braucht es, um hinter dem schnöden Alltag das schöne Besondere zu sehen?
Constanze: Um das schöne Besondere im Alltag zu sehen, muss man mit einem wachen, für die Details offenen Auge durch die Welt gehen, hinter die Erscheinungen blicken, um damit das Wesentliche, Kostbare des Daseins zu ergründen. Auch, um Unschönes ab und zu auszublenden, so wie das Verdummungsfernsehen mit dem Ausschaltknopf am TV-Gerät Gott sei Dank ausblendbar ist. Zumindest im Privaten sollte man sich mit etwas beschäftigen, das der persönlichen Selbstfindung dient und die eigenen Kräfte stärkt. Für mich persönlich leistet dies zum Beispiel unter anderem die Hinwendung zur Historie. Sieht man einmal von den Missständen ab, die es zu allen Zeiten gab, so erscheinen mir frühere Leben zumindest im Privaten doch überschaubarer und damit beschaulicher und anschaulicher gewesen zu sein. Weniger schnelllebig, abstrakt und nüchtern, mehr den natürlichen Harmonien und dem Lauf der Jahreszeiten zugewandt. Mit den Gedichten und der Musik der Klassiker bekommt man eine Ahnung davon.
Mit Blick zurück schätzt man mehr das, was ist, als jenes, was in Zukunft noch alles sein sollte. Damit kommt Ruhe und Gelassenheit in den Tag. Technik wird viel bewusster für die eigenen Belange sinnvoll eingesetzt und nicht zum alles beherrschenden Faktor, der innerlich zerstreut und vom eigenen Selbst wegführt.

Textbasis: Dieses bewusste Wahrnehmen von sich selbst in seiner Umgebung, diese damit gewonnene Ruhe, scheint den Sinn für Struktur, für Wohleingepasstheit zu untermauern, den man in Deiner Lyrik vorfindet. Wenn man einen Blick unter die Verse des hier vorgestellten Gedichtes und die Gedichte auf Deinem Blog wirft, findet man stets eine starke Betonung des Rhythmischen, oft auch eine durchkomponierte Gestaltung in Reim und Metrum. Wie weit engt diese Vorgehensweise ein – gerade heute, wo noch immer viele Gedichte bewusst auf diese Gestaltungsmittel verzichten –, wie weit eröffnet sie Möglichkeiten, die den Freien Rhythmen verschlossen bleiben?
Constanze: Freie Rhythmen tragen der Spontanität des ausgedrückten Erlebens mehr Rechnung. Bei meinen ersten lyrischen Schritten habe ich auch lediglich versucht, die im Innern frei erwachsene, rhythmische Zeile mit weniger Beachtung von Metrum und Reim zu einem vollständigen Gedicht auszuweiten. In einer gewissen Hochgestimmtheit ist mir das dann auch einmal, denke ich, ganz gut gelungen mit den Zeilen zu „Mein Zimmer: die Stille…“. In so einer Situation wächst man fast über sich hinaus, vergisst alles andere um sich herum und ist ganz bei der Sache, und damit auch wiederum ganz bei sich selbst angekommen. Aber solche außerordentlichen Zustände stellen sich ja nicht per Knopfdruck ein und oftmals auch nicht in dieser Intensität. Mittlerweile ist es mir schon mehrfach passiert, dass mir der lyrische Fluss ein Schnippchen geschlagen hat und ich trotz gewecktem Dichterinnengeist einige Plagerei mit dem Rhythmus hatte. Längere Zeit weigerte ich mich, immer zu Anfang eines neuen Textes mindestens ein Gerüst aus festgelegter Silbenanzahl im Vers sowie ein festes Reimschema zu bauen. Ich dachte, dadurch würden die Zeilen einen Großteil ihrer Musikalität einbüßen und vielleicht zu statisch wirken. Dann aber habe ich gemerkt, dass so ein Gerüst eigentlich erst so richtig frei macht für den Inhalt, für das mit den Worten zu malende Bild, sofern man in dieser Manier überhaupt dichten möchte. Man kann sich problemlos daran festhalten und gerät nicht mehr so leicht ins Stolpern. Außerdem können fest durchkomponierte Versmelodien in ihrer Schwingung besser tragen und sind deshalb letzten Endes wahrscheinlich eingängiger, weil der Leser sich diese leichter merken kann, sie sogar mitsingen könnte.

Textbasis: In diesem Zusammenhang bitte ich Dich, kurz noch etwas zu folgendem Satz zu sagen, den Du mir im Vorfeld unseres Interviews mitteiltest. Du schriebst, „dass die echte Schwingung eigentlich erst auf der Wort- und Silbenebene erfolgt.“ Transportieren nicht auch die Strophe und das Gedicht selbst ihre eigenen Schwingungen?
Constanze: Ja, das stimmt natürlich. Aber erst am richtigen Ort platziert, entfalten Wörter und Silben ihren ganz eigentümlichen Zauber im poetischen Gefüge, denn sie unterstützen im besten Fall mit ihrem Klang und ihrer Betonung den Rhythmus in seiner Ausprägung sowie den mitzuteilenden Gedanke auf inhaltlicher Ebene. Das überprüfe ich im fertigen Gedicht stets anhand mehrerer Durchgänge und variiere dann die Worte, stelle sie um oder ersetze sie durch passendere, manchmal sogar öfters innerhalb eines Verses, bis ich schlussendlich den optimalen Fluss und Ausdruck erreicht habe.

Textbasis: Wie sich die Art zu dichten in vielen Jahren verändert hat, so veränderten sich ebenso auch die Möglichkeiten, die eigenen lang erdachten und durchkomponierten Gedichte einem breiten Publikum zu präsentieren. Welche Vorteile siehst Du für Dichterinnen und Dichter in der Möglichkeit, unkompliziert im Internet zu veröffentlichen? Und was macht eventuell auch den gedruckten Gedichtband gerade einzigartig?
Constanze: Das Internet bietet Autoren wie nie zuvor die Möglichkeit, eine interessierte Leserschaft zu finden, auch wenn kein Verlag auf der Welt jemals bereit wäre, ihre Texte zu drucken. Als Autor kann man auch schon einmal vorab zwanglos testen, wie die Gedichte denn ankommen, was gefällt und was weniger gefällt. Und vielleicht bietet sich dann ja irgendwann doch noch einmal die Chance, gerade über eine wachsende Leserschaft die Lorbeeren einer Buchveröffentlichung zu ernten. Dadurch gestaltet sich das Literaturgeschehen im Netz wesentlich bunter, vielfältiger.
Andererseits besteht die Gefahr, dass in einer Invasion pseudokünstlerischer Ergüsse irgendwann das wirklich Kunstvolle untergeht und die ganze Szene zunehmend verwässert. Aus diesem Grund hat eine Veröffentlichung in Buchform meiner Meinung nach wesentlich mehr Gewicht. Es ist schon eher eine qualitative Anerkennung der dichterischen Leistung, wenn man gedruckt wird, denn warum sollte ein Verlag das finanzielle Risiko eingehen mit Texten, von denen er sich eigentlich nicht viel verspricht.
Auch ist es meiner Meinung nach ein viel schöneres, da bewussteres und sinnlicheres Vergnügen, ein gedrucktes Bändchen schlussendlich in Händen zu halten und zu lesen. Denn nach wie vor unvergleichlich ist der Eindruck einer kunstvollen Papiergestaltung, ganz zu schweigen vom einzigartig Haptischen und Akustischen beim Anfassen und Umblättern der einzelnen Seiten. Falls sich also einmal die Gelegenheit ergeben sollte, dass ein Verlag sich meiner Gedichte annehmen möchte, werde ich dies außerordentlich zu schätzen wissen.

Textbasis: Dieser Überlegung stimme ich zu, denn gerade der Rolle der Verlage als „Kontrollinstanzen“ kommt doch die bedeutende Aufgabe zu, der von Dir angesprochenen Möglichkeit des Verwässerns ein bisschen entgegenzuwirken. Damit verabschiede ich mich ganz herzlich von Dir, Constanze, und bedanke mich für Dein Gedicht und Deine Antworten. Ebenfalls verabschiede ich mich von allen Leserinnen und Lesern, denn auch heute muss der lyrische Mittwoch wieder dem Unausweichlichen des Lebens entgegentreten: dem Ende. Doch das bedeutet keinesfalls, dass Sie nicht noch ein Weilchen genießen dürfen: Klicken Sie den folgenden Link, machen Sie es sich bequem und tanzen Sie lesend ein bisschen durch die Gedichte von Constanze und Wolfregen. Ein ganz besonders feiner Sessel ist bereits reserviert, treten Sie also nun ein – in das poetische Zimmer.

PS: Wer von Ihnen ebenfalls Lust hat, einen seiner Texte, eines seiner Gedichte oder Lieder hier vorzustellen und ein paar Worte über sich zu sagen, folge mir mit seinem Blog, oder mache auf andere Weise auf sich aufmerksam. Ich würde mich freuen, ein Zeichen von Ihnen zu erhalten.


[Der lyrische Mittwoch, Folge 8] H. Gudjonsson – The Trees That Bend Around Me

„Poesie, das ist Musik“, so heißt die vor Kurzem eingeführte Kategorie hier auf dem textbasis.blog. Und dass Sprache nicht nur in Versen lyrisch sein kann, wurde von Danielle in der siebenten Folge des lyrischen Mittwochs bewiesen. – Da liegt es nur nah, dass auch der Liedtext nicht unerwähnt bleiben sollte, wenn es um schöne Sprache geht. Ich freue mich deswegen diese Woche ganz besonders, Ihnen einen deutschen Liedermacher vorstellen zu dürfen, der schon seit vielen Jahren tiefe, eindringende Musik schafft und veröffentlicht. H. Gudjonsson stammt aus dem Osnabrücker Land und lebt derzeit in Bremen. Er wirkte bereits an diversen Projekten im Theater des Schlachthofs in Bremen mit und 2012 erschien sein aktuelles Album „The Darkness And…

„The Trees That Bend Around Me“ lautet der Titel des vorgestellten Liedes und schon mit den ersten Tönen wird es finster um uns her. Während Schatten in diesem Tunnel verbrannter Ewigkeiten schlurfend am Rand entlangschleichen und Bäume ihre gespenstig dürren Äste durchs Dickicht immer näher heranschieben, leuchtet nur noch ein letztes Licht: die Flamme im eigenen Herzen. Das stoisch wiederholte Gitarrenmotiv: gespenstiges Wandern in monddurchschienener Friedhofsluft unter bewölkten Himmeln. Zu langsam sich dem Ziel nähern, selbst verbrennen – alles um sich herum verbrennen! –, den eigenen Rauch einatmen. Sich von Herzglut und vom Nachtweg verzehren lassen. Liebesgetriebensein, eine Flucht zurück ans Ziel, ein Verstecken im Ausgebrannten, näher kommen — und doch die Gerippearmee der Bäume so nah, so nah …

The Trees That Bend Around Me

trees bend around me, around me
trees bend around my arms and ankles
trees bend around my heart,
my flaming heart

bring factory smoke to fill my lungs
bring factory smoke to fill my lungs
a scorched vessel to sink in,
to sink in

let me get closer
let me get nearer,
nearer to thee

H. Gudjonsson

H. Gudjonsson

Textbasis: Herzlich willkommen beim lyrischen Mittwoch! Ich freue mich, dass du Zeit gefunden hast, um ein paar Fragen zu dir und deinem Schaffen zu beantworten. Ich selbst schätze deine Musik seit einigen Jahren und bin begeistert von der Tiefe deiner Lieder, der Kombination von Elementen des Slowcores und des Acoustic Folks. Seit wann machst du Musik und was fasziniert dich noch immer daran?
H. Gudjonsson: Meine ersten Erfahrungen mit der Musik waren im Grunde eher unglücklich. Als ich etwa acht Jahre alt war, wurde  ich von meinen Eltern zum Saxofon-Unterricht angemeldet und habe das – eher widerwillig – dann auch ganze sechs Jahre „durchgestanden“. Zu der Zeit hat mir das Musizieren nicht viel gegeben, man spielte vom Blatt, was der Lehrer einem vorgesetzt hatte, und war froh, wenn das nachmittägliche Üben beendet und die Eltern zufrieden waren, man sich also mit Dingen beschäftigen konnte, die Jungs nun mal so machen. Die Faszination für Musik entwickelte ich erst im Laufe der Pubertät. Ich habe gemerkt, dass Stift und Papier eine gute und einfache Lösung sind, um Gefühle und Eindrücke zu verarbeiten, die man nicht mit seinen Freunden besprechen mag. Meine ersten Texte habe ich dann als Sänger in einer Schulband ausprobiert, Gitarre spielen habe ich mir erst beigebracht, als wir nach unseren Abschlüssen getrennte Wege gingen. Da war ich etwa 18, 19 Jahre alt. Im Laufe der Zeit ist das Musizieren dann zu einem wichtigen Teil von mir geworden, ich habe mehr und mehr herausfinden können, wie ich meine Gefühle in Melodien übersetzen und mit meiner skizzenhaften Art zu texten verbinden konnte.

Textbasis: Dass Musik nicht auf Text und Sprache angewiesen ist, bedarf eigentlich nicht der Erwähnung. Auch bei dir lebt das Lied in sich, lange instrumentale Passagen zeichnen oft den Charakter deiner Titel aus. In welchem Verhältnis stehen für dich Liedtext und Musik? Was gewinnt die Musik durch die Worte?
H. Gudjonsson: Das ist eine sehr spannende Frage, Sebastian! In meinem Verständnis sollten Liedtext und Musik immer eine Symbiose darstellen, sich aber gerne auch gegenseitig herausfordern und entwickeln. Soll heißen, dass ein sich zuspitzender, wütender Text musikalisch auch in dieser Form unterstützt werden sollte. Bei einem Titel wie „The Trees That Bend Around Me“, in dem die Strophen sehr deutlich durch Instrumentalparts voneinander getrennt sind, ist es mir zum Beispiel sehr wichtig, dass die Melodien emotional das zuvor Gesungene aufgreifen und der Hörer das Gefühl bekommt, dass Textebene und Musikebene untrennbar miteinander verwoben sind. Das funktioniert natürlich nur dann, wenn man auch genauestens auf die Intonation des Textes achtet, Stimme und Text als Instrument wahrnimmt und auf die Musik abstimmt.

Textbasis: Entsteht bei dir zuerst die Melodie oder der Text, wenn du Lieder schreibst? Was inspiriert dich?
H. Gudjonsson: Es gibt kein bestimmtes Schema, nach dem ich vorgehe. Als ich anfing, Songs zu schreiben, habe ich immer erst die Texte geschrieben und im Nachhinein eine musikalische Untermalung dafür gesucht. Diese Art des Songwritings gibt einem die Freiheit, eine längere Geschichte in mehrere Lieder aufzuteilen. So ist mein erstes Album „The Mountain“ entstanden. Nach „The Mountain“ gab es eine Zeit der Schreibblockade und ich habe andere Ansätze des Songwritings ausprobiert. „The Trees That Bend Around Me” entstammt beispielsweise einer Art „Jam-Session”. Zusammen mit meiner Freundin Haruko spiele ich gerne „zwanglos“ improvisierte Versatzstücke/Themen. Einfach als Zeitvertreib … ab und an bleiben dann bestimmte Themen aus diesen Sessions hängen, wiederholen sich wieder und wieder im Kopf und während man grade das Abendessen zubereitet, bilden sich die ersten Worte zur Melodie. Inspiration bekommt man teilweise tatsächlich von alltäglichen Dingen. Grundsätzlich sind persönliche Erlebnisse und Gedanken über Mitmenschen und mich selbst aber die Hauptquelle meiner Songs.

Textbasis: Wenn man sich „The Trees That Bend Around Me” mehrmals anhört, verschmelzen Worte und Töne immer mehr. Durch die Wiederholung des Gitarrenmotivs und die spärlich vorgetragenen Worte verliert man sich im Ganzen. Dies ist etwas, das besonders der heutigen Pop-Musik der Mainstream-Industrie verlorengegangen ist. Was zeichnet für dich gute Musik aus, was hörst du selbst am liebsten?
H. Gudjonsson: Gute Musik ist ehrlich, hat Charakter und Stil. Leider eine äußerst selten zu findende Kombination und ein Grund dafür, dass mich wenig Musik richtig mitreißen kann. Manchmal kommt es mir so vor, als wäre Musik für viele nur ein Mittel zur Selbstdarstellung. Das ist dann natürlich zum Scheitern verurteilt. Richtig mitreißen können mich Bill Callahan (alias Smog), Phil Elverum (alias Mount Eerie) und der leider kürzlich verstorbene Jason Molina (u. a. Songs: Ohia und Magnolia Electric Co.). Als ich vor elf Jahren zum ersten Mal „Mi Sei Apparso Come Un Fantasma“ von Songs: Ohia gehört habe, habe ich sofort gespürt, dass Jason Molina seine Songs „lebt“. Seine Texte bewegen mich noch heute und musikalisch hat er verstanden, dass man mit einfachen Mitteln große Gefühle ausdrücken kann. Das war eine prägende Erfahrung für mich und seither suche ich nach Musik, die eine ähnliche Seele hat wie die der Songs: Ohia Alben.

Textbasis: Auch für mich ist Jason Molinas Tod ein großer Verlust, die Welt hat mit ihm einen wunderbaren Musiker verloren. — Wenden wir uns dennoch wieder den Interviewfragen zu:  Sagen wir, du solltest Liedtext und Gedicht vergleichen. Worin liegen für dich die Stärken des einen, die Schwächen des anderen?
H. Gudjonsson: Ich muss zugeben, dass ich mich nicht besonders gut mit Gedichten auskenne und sie selten lese. Ich bin eher Romanleser. Nun weiß ich allerdings, dass die größte Stärke eines Liedtextes die ist, dass er direkt durch das Singen eine emotionale Ebene bekommt und seine Intention auf diese Weise schnell deutlich wird. Die Schwierigkeit bei Liedtexten allerdings ist, dass man phonetisch leicht an Grenzen stößt und seinen Text deshalb immer etwas nachbessern muss, damit er gut mit der Musik funktioniert. Hierbei muss man natürlich achtgeben, dass man die ursprüngliche Aussage nicht verfälscht. Dennoch ist man bei einem Liedtext nicht zwingend an Reimschemata oder Silbenanzahlen gebunden, das dürfte bei klassischen Gedichten sicherlich eine größere Herausforderung darstellen.

Textbasis: Was erwartet uns in Zukunft von dir und wann wird dein nächstes Album erscheinen? Wo kann man dich live sehen?
H. Gudjonsson: Wenn ich nur wüsste, was die Zukunft bringt! Die Arbeiten am „The Darkness And…“‑Nachfolger sind in Gange und ich hoffe, das Album bis zum Herbst fertigzustellen. Dann würde ich gerne eine kleine Tour machen, allerdings nur drei oder vier Termine in meinen Lieblingsstädten.

Textbasis: Zwei allgemeine Fragen zum Schluss: Was zeichnet Kunst für dich aus?, und: Was bewegt einen eigentlich, sich all den damit verbundenen Mühen auszusetzen? – Du hast pro Antwort einen Satz.
H. Gudjonsson: Kunst ist der Versuch der irdischen Tristesse zu entkommen. Warum das Ganze? Nun, der Mensch ist doch immer auf der Suche nach dem Sinn des Lebens – für mich ist das Musikmachen zumindest etwas, bei dem ich mich nicht sinnlos fühle.

Textbasis: Vielen Dank für deine Antworten! Wie jede Woche freue ich mich, dass wir gemeinsam den Mittwoch wieder ein bisschen durch schöne Worte (und dieses Mal auch durch schöne Musik) aufwerten konnten. Wenn Ihnen das Verschmelzen von Wort und Ton, von Text und Musik, gefallen hat, empfehle ich Ihnen, ein Ohr zu riskieren und in die restlichen Lieder des Albums „The Darkness And…“ hineinzuhören. Es erwartet Sie Tiefe, die schwer und dunkel und nicht immer einfach und gewiss nichts fürs Nebenbei-Hören ist. Doch am Grund dieser Schwere und am Ende dieser Dunkelheit liegt Ehrlichkeit. Mich begleitet die Musik H. Gudjonssons mittlerweile schon ein paar Jahre: Ich kann Ihnen versichern, dass Sie ein guter Begleiter ist; nehmen Sie ihre Hand! Mit Klick auf folgende Links gelangen Sie zu den Seiten H. Gudjonssons und zu den aktuellen Veröffentlichungen. Bis zum nächsten Mittwoch – bleiben Sie lyrisch!